Athenart - Il podcast

In questa puntata intervisto Elena Di Capita, artista che oggi lavora a tempo pieno e ha costruito un percorso forte, riconoscibile e davvero interessante, ma che agli inizi faceva bancarelle vendendo acquerelli senza riuscire praticamente a vendere nulla.

Abbiamo parlato proprio di questo passaggio: da una fase iniziale fatta di tentativi, difficoltà e ricerca, a una carriera artistica solida, capace di darle grandi soddisfazioni. Elena racconta come è avvenuta questa trasformazione, quali scelte hanno fatto la differenza, come ha trovato la sua direzione e che cosa le ha permesso di affermarsi nella sua nicchia.

È una puntata che ti piacerà, soprattutto se ti senti in una fase incerta e hai bisogno di ascoltare una storia vera fatta di evoluzione, perseveranza e identità.

In questa puntata parlo di un tema molto discusso, ma ancora pieno di ambiguità: le mostre a pagamento.

Molti artisti si trovano prima o poi davanti a proposte in cui viene chiesto di pagare per esporre, con la promessa più o meno esplicita di ottenere visibilità, prestigio, contatti o persino vendite. Il problema è che, nella maggior parte dei casi, tutto questo non è affatto garantito.

Ti spiego perché, dal punto di vista economico e professionale, questo modello ha spesso poco senso, soprattutto quando viene presentato come un’opportunità di crescita reale ma in realtà si limita a vendere uno spazio espositivo. Parlo anche della differenza tra gallerie commerciali e realtà non commerciali, del ruolo del curatore, del tema dei finanziamenti e di ciò che un artista dovrebbe valutare con molta lucidità prima di accettare.

Nella parte finale condivido anche un’alternativa più utile e più intelligente: investire quelle risorse nell’organizzazione di una mostra autonoma, da soli o con altri artisti, per costruire occasioni più concrete e più oneste.

Un archivio non serve solo a mettere ordine.

Serve a tutelare le tue opere, a lavorare in modo più professionale e anche a difenderne il valore nel tempo.

In questa puntata ti spiego perché l’archivio è uno strumento molto più importante di quanto molti artisti credano e ti porto anche un esempio famoso: il caso di Damien Hirst, dove una produzione molto ampia e una tracciatura poco chiara hanno avuto conseguenze rilevanti sul mercato.

Ti parlo anche del nuovo corso Archivio d’artista: dai valore alle tue opere, pensato per aiutarti a costruire un archivio professionale secondo standard internazionali.

In questa puntata smontiamo una delle illusioni più tossiche per chi fa arte: l’idea che esista un metodo sicuro, rapido e immediato per farcela.

Ti racconto perché, nella realtà, spesso succede l’opposto: lavori, ti impegni, migliori, ma per un po’ sembra che non cambi niente. 

Pochi riscontri, poche vendite, poche conferme. 

Ed è proprio lì che tante persone mollano.

Per spiegartelo uso la curva del successo di Malcolm Gladwell: due percorsi che all’inizio sembrano quasi identici, ma che a un certo punto si separano. 

C’è un punto critico.

E da quel punto in poi o inizi a raccogliere, oppure ti allontani dai risultati che desideri.

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In questa puntata ho registrato insieme a Michele Piantoni, coach specializzato in Programmazione Neurolinguistica, un episodio in cui ti spieghiamo cos’è lo S.C.O.R.E. e, soprattutto, come usarlo quando ti senti bloccato creativamente.

Partiamo dalla struttura del metodo e poi facciamo un esercizio guidato su un caso concreto: un artista in blocco creativo. L’obiettivo è farti vedere, passo dopo passo, come si lavora con lo S.C.O.R.E. e come puoi applicarlo anche da solo, ogni volta che senti di essere fermo, confuso o scarico.

In più, se vuoi capire come potrebbe aiutarti un percorso di coaching PNL, puoi prenotare una call gratuita di 20–30 minuti con Michele per un intake e per chiarire cosa è possibile fare, in modo personalizzato, sulla tua situazione. 

Questa settimana Athenart compie otto anni.

Oggi magari mi vedi forte, strutturata, con un ruolo riconoscibile. Perito, criminologa dell’arte, libera professionista con una voce chiara e una community solida. Ma all’inizio non era così. All’inizio è stato più difficile, più fragile, più incerto.

In questa puntata voglio farti fare una riflessione, soprattutto se sei un artista e ti senti “meno” perché non hai riconoscimenti dal mondo istituzionale dell’arte. Mostre importanti, riviste, nomi che contano, approvazione dall’alto. Quella sensazione di essere invisibile, quindi non valido.

Se guardi bene, io quei riconoscimenti non li ho. Non mi vedi nei circuiti tradizionali, non mi trovi nei canali istituzionali. Eppure in questi otto anni ho costruito un lavoro reale, un seguito reale, una presenza reale.

Ti racconto anche perché, a un certo punto, certe porte si sono chiuse. Quando ho iniziato a dire cose scomode, a mettere in discussione meccanismi che convenivano a qualcuno, quelle collaborazioni sono sparite. E lì ho capito una cosa: la libertà di espressione non ha prezzo Puoi sbagliare, puoi correggerti, puoi crescere, ma puoi dire quello che pensi. E questa, per me, vale più di qualsiasi “badge” istituzionale.

Il punto non è disprezzare il riconoscimento esterno. Se arriva, è un amplificatore. Ma le fondamenta della tua carriera non possono dipendere da quello. Devono stare dentro di te: una ricerca sincera, libera, onesta. Perché se sei totalmente dipendente da realtà esterne, quella libertà non esiste.

Come ogni anno, per l’anniversario di Athenart, per una settimana sul mio e-commerce trovi TUTTI I SERVIZI IN SCONTO CON GLI SCONTI PIÙ ALTI DELL’ANNO, inclusi quelli che di solito non sconto.

Se vuoi farti aiutare sul serio nel tuo percorso, questo è il momento giusto per scegliere ciò che ti serve.

In questa puntata ho intervistato Michele Piantoni, nuovo collaboratore a tempo pieno del team Atenart.

Abbiamo presentato due nuovi servizi disponibili nella sezione Consulenze dell’e-commerce.

Fotografia tecnica per l’arte

Il mercato delle stampe Fine Art sta crescendo in modo enorme. Negli ultimi vent’anni è aumentato di circa il 1000% eppure tantissimi artisti non lo sfruttano, non perché non abbiano opere adatte, ma perché si bloccano su un punto preciso: come trasformare un originale in una stampa che abbia davvero qualità.

In questa puntata ti spiego perché è così difficile ottenere una buona resa. Perché tra opera reale, fotografia e stampa c’è sempre uno scarto. Cambiano luce, colori, contrasti, materiali e percezione. E se ti affidi a foto “così come vengono”, spesso stai mostrando online una versione più povera del tuo lavoro.

C’è un altro punto cruciale: oggi, nella maggior parte dei casi, le opere vengono viste prima in fotografia. Siti web, piattaforme di vendita, Instagram dell’artista o della galleria. La foto è la prima esperienza dell’opera. Se non è curata, non è solo un problema estetico: è un problema di vendite.

In questa puntata ho preso il famoso 50% e l’ho messo in discussione. Non per demonizzare le gallerie, ma per capire cosa stai davvero firmando quando accetti una percentuale che tutti ripetono come se fosse una legge di natura.

Ecco le domande a cui ho risposto:

👉🏻 Da dove deriva davvero il 50% e perché quella storia viene raccontata a metà.

👉🏻 Cosa implica oggi, in pratica, per l’artista e per la sostenibilità del tuo lavoro.

👉🏻 È già un successo trovare “qualcuno” che ti rappresenti anche se chiede il 50%? O stai scambiando la legittimazione per un privilegio che paghi carissimo.

👉🏻 Tratti il tuo lavoro come meno importante degli altri? Se lo dicessero a chi lavora in un bar o a un architetto, come suonerebbe.

👉🏻 Caso reale: accordo al 30% per l’artista, poi scopre per caso che il prezzo pagato dal cliente è più alto di quello dichiarato dal gallerista. La percentuale si abbassa automaticamente. Lei ritira tutto. Domanda chiave: come si controlla il prezzo reale di vendita?

👉🏻 Serietà dell’artista: una galleria investe più volentieri su chi ci crede davvero, costruisce continuità e non sparisce dopo poco tempo.

👉🏻 Se vendi con una galleria, puoi anche vendere da solo? Sì, ma a quali condizioni, e con quali prezzi, senza sabotare il rapporto.

👉🏻 “Non sono qui per essere commerciale, voglio essere un vero artista.” Quindi chi vende non è un vero artista? Davvero vogliamo ancora raccontarcela così.

👉🏻 Perché alcuni “esperti” non vogliono che un artista costruisca indipendenza economica. Che cosa cambia, per loro, se tu non dipendi.

Se ti interessa il tema, ascolta la puntata e poi fai un passo in più: preparati. Perché il problema non è la percentuale in sé, il problema è accettare condizioni che non capisci, o che non puoi verificare.

Buon 2026! In questa puntata ti racconto perché ho deciso di cambiare nome e da Artist Coaching sono passata ad Athenart.

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In questa puntata parliamo dei 9 orrori che sento ancora troppo spesso quando si parla di prezzi.

Frasi che sembrano “logiche”, o addirittura furbe, ma che in realtà ti mettono in una posizione fragile: ti fanno perdere credibilità, ti fanno sbagliare strategia, e soprattutto ti fanno costruire prezzi che non reggono nel tempo.

Questa puntata forse non ti piacerà, ma è proprio per questo che devi ascoltarla.

In questa puntata vado dritta al punto. 

Parlare ancora di coefficienti nel 2025 non ha più senso. Quando ho iniziato, otto anni fa, capivo la confusione: in Italia nessuno spiegava davvero come funziona il mercato e come si definisce il prezzo di un’opera d’arte. 

Ma oggi non possiamo più far finta di niente.

Online c’è tutto: i miei contenuti, le spiegazioni tecniche, i metodi. 

E non sono validi perché li ho inventati io. Sono validi perché sono quelli utilizzati nel mercato professionale internazionale: la formazione al Sotheby’s Institute, il mio lavoro come perito d’arte, la responsabilità legale che comporta ogni valutazione.

Racconto anche un episodio che mostra come persino alcuni sedicenti professionisti continuino a dare prezzi privi di senso. 

È proprio per questo che insisto sul fatto che un artista non deve accettare tutto acriticamente, nemmeno ciò che dico io. 

Serve conoscenza, serve sapere come ragionare, serve autonomia di giudizio.

🌟 E per questo ho creato un nuovo pacchetto: il corso “Come decidere il prezzo delle tue opere d’arte” + una Valutazione professionale di un’opera. 

Per capire davvero come funziona il mercato e avere un punto di riferimento solido da cui partire.

Molti artisti si trovano davanti alla stessa richiesta: l’opera in regalo o, peggio, il pagamento in visibilità. In questa puntata analizzo perché accade, quali rischi comporta e in quali casi invece può avere senso accettare. Non esistono dogmi né regole assolute. Non è sempre giusto, non è sempre sbagliato. Serve lucidità, libertà e la capacità di valutare ogni situazione con consapevolezza. 

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Spesso ci lamentiamo perché chi ci circonda non comprende la nostra strada artistica. La società non ci sostiene. La famiglia non capisce. Gli amici non vedono davvero quello che stiamo costruendo.

Ma c’è una domanda che raramente ci facciamo: ma io mi sto supportando? Io credo e investo su di me?

Se dentro di te c’è ancora la voce che dubita, che rimanda, che si giudica, come possono gli altri vedere con chiarezza ciò che tu stessə fai fatica a riconoscere?

Questa puntata nasce da una riflessione: prima di pretendere supporto, riconoscimento o sicurezza da chi ci sta intorno, dobbiamo imparare a darcelo noi. 

Non per orgoglio. Non per chiuderci in noi stessi. 

Ma perché il nostro cammino artistico ha bisogno di un fondamento solido, e quel fondamento siamo noi. 

Quando inizi a sostenerti davvero, il resto cambia. Il mondo ti vede con occhi diversi. 

E il supporto che cercavi comincia ad arrivare.

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In questa puntata racconto cosa ho imparato partecipando al convegno L’arte di proteggere l’arte all’università Bicocca: dare un valore economico corretto a un’opera d’arte è una delle sfide più difficili - e più sottovalutate - per artisti, gallerie e collezionisti.

Le valutazioni sbagliate possono compromettere un’intera carriera, mentre conoscere i criteri giusti permette di posizionarsi nel mercato in modo solido e professionale.

Parlo anche della differenza tra criminologia classica e criminologia dell’arte, della mia tesi appena discussa e del perché, nel mondo dell’arte di oggi, imparare a valutare correttamente il proprio lavoro è una forma di autodifesa.

In questa puntata mi metto un po’ a nudo.

Non parlo di arte o di mercato, ma di me, del mio corpo che da mesi mi chiede di rallentare. Il long covid ha scombussolato tutto: energia, piani, priorità. E così, invece di forzare i ritmi di sempre, ho deciso di fermarmi e ascoltare.

Racconto come sto cercando di attraversare questo tempo diverso, più lento, più fragile ma anche pieno di piccole scoperte. 

Perché a volte i piani saltano proprio per farci trovare una strada più vera.

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Il nuovo episodio nasce dal mio ultimo articolo sul mercato dell’arte 2025, ma va oltre i numeri.

Perché i dati, se impariamo a leggerli, ci aiutano a non farci trascinare troppo dalle emozioni.

Quando un artista vive un periodo difficile (poche vendite, poca attenzione, poca fiducia) tende a pensare che tutto il mercato sia in crisi.

E quando invece le cose vanno bene, si ha l’impressione che il mondo dell’arte stia fiorendo per tutti.

In realtà, conoscere i dati di mercato serve proprio a questo: a mettere le nostre esperienze in prospettiva.

A capire se è il contesto a cambiare o se siamo noi che dobbiamo riposizionarci, comunicare meglio o rivedere le nostre strategie.

Ma nel finale dell’episodio ho voluto anche ricordare un’altra verità: l’aspetto emotivo resta fondamentale.

Perché molti artisti, anche quando sono tecnicamente e professionalmente preparati, finiscono per autosabotarsi.

I blocchi più frequenti?

👉 un’autocritica eccessiva,

👉 la paura del giudizio,

👉 e un rapporto complicato con il denaro.

Sono proprio questi temi che affronteremo nel mio percorso dedicato agli artisti, che apro solo una volta all’anno, per lavorare in profondità su ciò che frena la crescita creativa e professionale.

La data di apertura delle iscrizioni verrà annunciata presto.

Dal 10 ottobre entra in vigore la Legge 132/2025, la prima normativa italiana che regola il rapporto tra intelligenza artificiale e diritto d’autore.

Una legge che tocca da vicino il mondo dell’arte, dei collezionisti e delle gallerie, ridefinendo chi può essere considerato autore e come tutelare le opere create con strumenti digitali o con il supporto dell’IA.

In questo episodio ti spiego:

- chi può essere autore quando si usa l’intelligenza artificiale

- cosa cambia per chi crea, espone o colleziona arte

- quando l’uso delle opere per addestrare le IA diventa illecito

- e perché i deepfake possono costituire un reato

Alla fine dell’episodio ti racconto anche del progetto a cui sto lavorando: un sistema basato su blockchain pensato per rendere la tutela del diritto d’autore più semplice, trasparente e sicura per tutti gli artisti.

Dal vivo le opere incantano, ma online spesso perdono forza.

La fotografia è il primo biglietto da visita di un artista: può attirare collezionisti e galleristi… oppure farli passare oltre.

In questa puntata ne parlo con Michele Piantoni, fotografo specializzato nella riproduzione d’arte, archivista digitale, business coach con formazione avanzata in PNL e nuovo collaboratore di Artist Coaching. Insieme esploriamo perché le immagini contano così tanto, quali errori evitare e come iniziare a mostrare al meglio il proprio lavoro.

E vi avviso: Michele non ha resistito e ha lasciato cadere più di uno spoiler sul nuovo corso che lanceremo lunedì. 

Un corso che potrà davvero cambiare il modo in cui racconti la tua arte online. Restate collegati!

Non è questione di talento.

Spesso il problema non è l’opera in sé, ma come la presenti.

In questa puntata ti porto a riflettere su un passaggio che troppi artisti trascurano: immagini, informazioni e soprattutto il messaggio che accompagna le tue opere.

Perché chi guarda non cerca solo “un oggetto decorativo”: cerca intenzione, cura, professionalità.

Se pensi di non avere un messaggio preciso, ascolta fino in fondo: scoprirai che in realtà c’è già, nascosto nel tuo lavoro.

👉 La prima impressione conta più di quanto immagini.

Dopo più di un mese di pausa estiva torno con nuove riflessioni. In queste settimane mi sono concessa il lusso di staccare completamente dai social e ho scoperto quanto tempo ed energie mi portavano via. È stato liberatorio.

In questa puntata ti racconto perché non credo serva una “rivoluzione anti-social”, ma piuttosto strutture intelligenti che ci permettano di non esserne dipendenti.

Il mio sito web, ad esempio, ha continuato a lavorare per me anche mentre ero offline: ha accolto persone, risposto alle loro domande e persino venduto corsi in autonomia.

Parliamo quindi di come un sito ben costruito possa diventare il miglior alleato di un artista, di quanto sia importante avere il controllo dei propri strumenti digitali, e di come usare ChatGPT nel modo giusto… senza cadere nei suoi tranelli.

Durante l’estate, il mercato dell’arte rallenta. Le gallerie chiudono, i collezionisti sono in vacanza, le fiere si diradano… ma davvero è un momento morto per gli artisti?

In questa puntata ti parlo del ciclo stagionale del mercato, dei motivi dietro il calo estivo delle vendite e delle eccezioni (come le località di villeggiatura dove il mercato continua, ma cambia volto).

E soprattutto ti do una serie di consigli pratici per sfruttare al meglio questa pausa, trasformandola in un’opportunità: riordinare il tuo studio, aggiornare il portfolio, formarti, pianificare.

Una puntata per fermarti, respirare e prepararti al meglio alla ripartenza di settembre.

In questa puntata ti parlo di un tema che mi sta molto a cuore: l’importanza di uscire dal proprio ambito di competenza. Spesso, soprattutto quando lavoriamo in campo creativo, ci sentiamo in dovere di “restare sul pezzo”, di approfondire solo ciò che è strettamente collegato al nostro lavoro. Ma è davvero così che si cresce?

Io credo di no.

Credo che la vera ispirazione arrivi quando ci concediamo il lusso di esplorare ciò che non c’entra. Che tu sia un artista, un fotografo, un designer o un creativo, dedicarti anche ad altro — che sia giardinaggio, astronomia o cucina — può arricchirti moltissimo.

In questa puntata ti racconto quattro motivi per cui aprirti ad altri interessi ti renderà più ispirato, più lucido e persino più produttivo. Ti invito anche a sperimentare, a lasciare che la curiosità ti guidi… anche fuori dal seminato.

Perché a volte la cosa che ti cambierà la vita non si trova nel tuo campo. Ma proprio fuori.

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Dopo qualche settimana di pausa forzata a causa di un’influenza (e di piani saltati uno dopo l’altro), torno al microfono per fare il punto su alcune novità importanti per chi lavora nel mondo dell’arte.

In questa puntata ti racconto:

– perché ho interrotto le registrazioni e cosa è successo dietro le quinte;

– le ultime novità fiscali per artisti: ho pubblicato nuovi articoli dedicati alla Partita IVA per artisti e al grande cambiamento dell’IVA sulla compravendita di opere d’arte, scesa al 5%;

– perché è fondamentale, soprattutto per chi lavora in modo creativo, trovare un equilibrio tra pianificazione e capacità di accogliere gli imprevisti.

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Ecco gli articoli che ho citato nella puntata:

In questa puntata ti porto dentro uno dei temi più fraintesi del mercato dell’arte: il famigerato metodo del coefficiente. 

L’hai mai sentito nominare? Quella formula [(base + altezza) × coefficiente] x 10 che dovrebbe “risolvere” il problema del prezzo delle opere d’arte… beh, te lo dico subito: non funziona. E ti spiego perché.

Parliamo di quanto sia obsoleto, poco professionale e lontano anni luce dalla complessità vera del mercato — un mercato fatto di tecnica, qualità, domanda, carriera, contesto. 

Condivido con te i tre fattori davvero fondamentali per valutare un’opera d’arte, ti porto esempi concreti (Warhol e Fontana inclusi) e ti spiego perché semplificare troppo porta fuori strada.

Se vuoi approfondire seriamente come si stabilisce il prezzo di un’opera — e magari smettere di usare formule che ti penalizzano — ti racconto anche come lavoro come perito del Tribunale e ti parlo del mio corso dedicato proprio a questo tema.

Ecco i servizi di cui ho parlato:

In questa puntata speciale intervisto Alessia Pasquariello di Catawiki, che ci porta dietro le quinte di una delle piattaforme di aste online più importanti in Europa.

Parliamo di:

🎨 come funziona davvero Catawiki per un artista

📸 quali errori evitare per essere selezionati

📈 strategie per aumentare la visibilità delle proprie opere

💶 come proporre prezzi e tutelare il valore delle proprie creazioni

🌍 e di come il mercato dell’arte online stia evolvendo, offrendo nuove opportunità a chi sa coglierle

Se sei un artista e vuoi capire come muoverti con più consapevolezza nel mondo delle aste online, questa è la puntata che fa per te.

💜 Vuoi iniziare a usare Catawiki?

In questa puntata ti porto con me in un pomeriggio passato a sistemare i documenti della mia collezione d’arte. Ho scansionato certificati di autenticità, vecchie fatture, ecc… e mi sono resa conto che ogni opera è stata anche una tappa del mio percorso, un ricordo, un incontro, un cambiamento.

Ti racconto della prima mostra che ho organizzato, del viaggio in Palestina, e condivido anche alcuni consigli pratici su come archiviare correttamente i documenti legati alle opere: perché è importante farlo e come semplificarsi la vita con le copie digitali.

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Luglio è quel momento dell’anno in cui vale la pena rallentare, guardarsi dentro e chiedersi: sto andando davvero nella direzione che desidero?

In questa puntata ti accompagno in una riflessione che ci aiuterà ad osservare con onestà il nostro percorso, riconoscere i successi (anche quelli piccoli), lasciar andare gli obiettivi che non ci rispecchiano più e scegliere con intenzione cosa coltivare nei mesi che restano.

Questo è il momento perfetto per fare spazio: spazio a nuove idee, nuove energie, nuovi desideri.

L’idea dell’artista “puro”, che crea un solo tipo di opera, in un solo formato e a un solo prezzo, è ancora molto diffusa.

Ma è davvero questa la strada per vivere d’arte?

In questo episodio smontiamo insieme il mito dell’artista coerente a tutti i costi. Ti spiego perché diversificare non significa svendersi, ma espandere il tuo mondo e permettere a più persone di entrarci.

Parliamo di fasce di prezzo, accessibilità, formati e strategie per costruire una relazione autentica con il tuo pubblico, senza rinunciare alla tua identità.

I servizi di cui parlo nel podcast sono:

Tutti parlano di “segreti” per avere successo nel mondo dell’arte.

Ma la verità è che un segreto non c’è. In questa puntata ti racconto ciò che ho davvero osservato in migliaia di artisti con cui ho lavorato negli anni.

Ti parlo dei tre fattori che fanno davvero la differenza:

- la costante crescita nella tua tecnica artistica

- lo studio del mercato per non restare in balia delle opinioni altrui

- e soprattutto il carattere, perché chi va avanti è chi non si ferma di fronte ai no.

Ricorda: nessuno parte dalle stesse condizioni — ma ci sono cose su cui puoi agire fin da subito.

In questa puntata ospito Ester Goffi, storica dell’arte e attivista di Ultima Generazione, nota per le sue azioni di disobbedienza civile nei musei (e non solo).

Con coraggio e lucidità, Ester racconta cosa significa esporsi in prima persona per la giustizia climatica, affrontando critiche, processi e attacchi personali. 

Parliamo di arte, attivismo, conseguenze legali e libertà di espressione.

Un confronto diretto e senza filtri per riflettere su un tema urgente: fino a che punto siamo disposti a spingerci per difendere il nostro futuro?

Quante volte anche tu hai pensato che il mercato dell'arte funziona solo per i ricchi? 

“Si comprano e si vendono solo opere nella fascia più alta di mercato mentre per  gli artisti di fascia medio bassa c'è poca speranza, perché nessuno è interessato a loro…”.

In questo podcast ti spiego come è vero l'esatto contrario.

I dati di mercato ci dicono che l'andamento è assolutamente positivo per tutti gli artisti che vendono opere al di sotto dei 5000$, e ancora di più per chi vende al di sotto dei 1000$.

I dati sono tratti da "The Contemporary Art Market Report 2024" di ArtPrice e dall'"Art and finance report 2024" di Deloitte.

Ti è mai capitato di uscire da una fiera o da un festival d’arte con l’amaro in bocca, sentendo che tutto sembrava uguale e un po' troppo omologato?

In questo episodio ti racconto la mia esperienza tra fiere e mostre sempre più omologate, esploriamo insieme le emozioni che questo può suscitare — dubbio, frustrazione, voglia di mollare — e ti spiego come non farti influenzare.

In questa puntata rispondiamo a una domanda fondamentale per ogni artista che vuole promuovere il proprio lavoro online: è meglio avere un sito web o un blog?

Scopri quali sono i pro e i contro di ciascuna opzione, perché il sito web resta la base imprescindibile e quando invece un blog può diventare un vero alleato… oppure un pericoloso autogol.

Parliamo anche dell’importanza di costruire prima il tuo brand personale e di conoscere a fondo il tuo pubblico, per non rischiare di comunicare a vuoto.

Le fiere d’arte possono essere elettrizzanti… ma anche disorientanti. In questa puntata ti accompagno passo dopo passo per capire come viverle da artista in modo strategico, autentico e consapevole.

Ti racconto:

• ​cosa fare prima della fiera per arrivare preparato
• ​come muoverti tra gli stand senza sentirti fuori posto
• ​come instaurare relazioni umane (e non forzate) con galleristi e altri artisti
• ​e cosa fare dopo, per dare continuità ai contatti che hai creato.

Se vuoi fare il salto da “visitatore curioso” a “presenza riconoscibile”, questo episodio è per te.

Le commissioni sono uno degli aspetti più importanti del lavoro dell'artista, perché spesso una grossa fetta dei suoi guadagni deriva proprio da esse.

Per questo è estremamente importante saperle gestire con professionalità in modo da evitare stress e brutte sorprese.

In questa diretta ho parlato dei cinque errori più comuni che gli artisti commettono quando lavorano su commissione:

1. Non definire tutto chiaramente prima di iniziare

2. Accettare ogni richiesta pur di vendere

3. Sottovalutare o sopravvalutare il proprio lavoro (e i propri prezzi)

4. Non farsi pagare un acconto prima di iniziare

5. Non proteggersi da modifiche infinite

Chi vede (e compra) la tua arte? Questa è una domanda che si fanno molti artisti.✋🏻 Spesso l'errore è quello di voler arrivare a tutti. Ma ricordati che parlare tutti vuol dire non parlare a nessuno. In questa diretta ti spiego perché è importante capire chi è il tuo pubblico e come fare per intercettarlo.( Purtroppo, un bug di Instagram ha interrotto bruscamente la diretta sul finale).

I dati sul mercato dell’arte in Italia sono sconfortanti. Cosa fare allora?

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Parliamo dell’importanza per gli artisti dei testi di presentazione delle loro opere e del loro percorso con la bravissima Alessandra Cusinato, storico dell’arte, esperta di mercato, collaboratrice di @artist_coaching , collega e amica.

Intelligenza Artificiale e nuovo algoritmo Instagram, ecco come funzionano. Come sempre fammi sapere nei commenti se questa diretta ti è stata utile.

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Tu chiedi e Stefania risponde 😄I report da cui ho preso i dati citati nel video sono:

Sfatiamo il mito del “gallerista azzurro” 🤴🏼 e capiamo insieme come funziona davvero questo mondo e se è il momento giusto per noi per cercare una galleria che ci rappresenti.

Fammi sapere nei commenti se questa diretta ti è stata utile👇🏻

In questa chiacchierata con l'artista italiana Alessia Sinopoli scopriamo i vantaggi e gli svantaggi di vivere e lavorare nella capitale tedesca, dai sostegni finanziari ai problemi di alloggio e molto altro...

Pro:

- Berlino offre una vasta gamma di sussidi e integrazioni al reddito adattabili alle esigenze degli artisti.

- Sostegni alle famiglie con bambini, inclusi assegni mensili e congedo parentale.

- Facilità nel trovare la propria nicchia in un ambiente multiculturale e inclusivo.

- Corso di integrazione per imparare la lingua tedesca cofinanziato.

Contro:

- Problemi di alloggio legati alla disponibilità e al costo degli affitti.

- Costi e stress associati ai viaggi in Italia, specialmente per le famiglie con bambini.

- Sfide legate alla condizione di immigrato, come la lontananza dalla famiglia e il dover affrontare la burocrazia.

- Prezzi in aumento e liste di attesa per molti servizi a Berlino.

- Complessità burocratica per stabilirsi e accedere alle opportunità della città.

Prospettive:

- Costi minimi per avviare un'attività artistica e programmi di supporto specifici.

- Accesso a servizi gratuiti per il benessere psico-fisico, inclusa la psicoterapia.

Approfondimenti e Riferimenti: